Escultura

7.3. Lorenzo Ghiberti, primer panel de la Puerta del Paraíso: historia de Adán y Eva (1425-1452)

La Tercera Puerta del Baptisterio de Florencia, popularmente conocida como Puerta del Paraíso, es la obra cumbre de Lorenzo Ghiberti. En ella muestra la plena asimilación de los planteamientos clásicos. En ella sustituye los reducidos cuadrifolios de las anteriores puertas del Baptisterio por diez amplios paneles cuadrados, en los que se representan escenas del Antiguo Testamento. En este primer panel se representan los principales episodios de la historia de Adán y Eva:

• Arriba en el fondo la creación del mundo.
• En el primer plano a la izquierda la creación de Adán.
• En un segundo plano en el centro la creación de Eva.
• En un segundo plano a la izquierda el pecado original.
• En el primer plano a la derecha la expulsión de Adán y Eva del Paraíso.

Imagen de Sailko en Wikimedia Commons. Licencia CC.

Como en el resto de la Puerta del Paraíso, destacan las siguientes características:

• La distribución armoniosa de las figuras en un amplio espacio, que le permite integrar diversas escenas en un mismo marco.
• La simulación de la profundidad espacial mediante la aplicación de la perspectiva lineal.
• El recurso a los paisajes naturales y a los fondos arquitectónicos clásicos para subrayar la profundidad espacial.
• El empleo de la técnica del schiacciato para distribuir las escenas en varios planos de profundidad.

Imagen de Rufus46 en Wikimedia Commons. Licencia CC.

7.4. Donatello, David (en torno a 1440)

La estatua de David (Museo Nacional del Bargello, Florencia) es una de las obras más importantes de Donatello. La realizó en torno a 1440. Se trata de una estatua de bronce que representa a David tras vencer al gigante Goliat con la honda y cortarle la cabeza. Recuperando la tradición clásica, David aparece desnudo, a excepción de sus botas y su sombrero, que se ha interpretado como el sombrero tradicional florentino, lo que sugeriría la identificación de la figura bíblica con la ciudad de Florencia. Lleva los cabellos largos. Sujeta en una mano la espada y en la otra la piedra con la que acaba de matar a Goliat. Con un pie pisa la cabeza de este. Entre las características de esta obra destacan las siguientes:

• La figura muestra un delicado contraposto que recuerda a la curva praxiteliana.
• Su expresión es serena.
• David es representado como un joven de formas suaves, representando el ideal de belleza de la adolescencia. La delicadeza de sus proporciones y su posición se ve acentuada por la superficie pulimentada del bronce.

7.5. Donatello, Estatua ecuestre del condotiero Gattamelata (Padua) (hacia 1447-1453)

Esta es una de las obras más importantes de Donatello. Es un monumento funerario en honor a Erasmo da Narni, conocido como el Gattamelata. Se trataba de un condottiero, es decir, un contratista de mercenarios, que había servido a Venecia, a la que Padua pertenecía.

La escultura está realizada en bronce fundido sobre un pedestal de mármol. Donatello recuperó el modelo romano de la estatua ecuestre de Marco Aurelio, lo que implica para la época un prodigio técnico en la fundición del bronce. Con todo, Donatello no se atrevió a dejar la estatua apoyada solo sobre tres patas, como ocurría en su modelo. Así que apoyó sobre una bola la pata delantera que aparece alzada, conservando cuatro puntos de apoyo. Además de este logro técnico podemos destacar:

• El realismo en el retrato del condotiero y su armadura, así como en el caballo, sus arreos y su movimiento.
• La expresión elevada y solemne del Gattamelata, que de esa forma se nos muestra como un modelo de virtud.

Donatello, Estatua ecuestre del condotiero Gattamelata (Padua) Imagen en Wikimedia Commons. Dominio público.

Detalle del Gattamelata Imagen de Nina Aldin Thune en Wikimedia Commons. Licencia CC.

7.13. Miguel Ángel, Piedad del Vaticano (Roma) (1498-1499)

La Piedad del Vaticano es una magnífica obra en mármol perteneciente a la primera etapa de madurez de Miguel Ángel. En ella se representa a la Virgen sentada, sosteniendo el cadáver de Jesús. Tiene una composición piramidal, en la que el vértice superior lo representa la cabeza de la Virgen y los dos vértices inferiores la cabeza y los pies de Jesús. Para lograr esta composición y subrayar el papel de la Virgen como trono de Cristo, sus dimensiones son mayores que las de su hijo. Destaca la dulzura y el rostro melancólico de la Virgen, representada como una muchacha, como símbolo de su pureza.

Imagen de Stanislav Traykov en Wikimedia Commons. Licencia CC.

Imagen de "mi nonna" en Wikimedia Commons. Licencia CC.

Imagen de Jörg Bittner Unna en Wikimedia Commons. Licencia CC. En el artículo que la Wikipedia dedica al David podrás encontrar una amplia colección de fotografías de detalle.

7.14. Miguel Ángel, David (1501-1504) (Florencia)

Entre 1501-1504, cuando finalizaba su primera etapa de madurez, Miguel Ángel marchó de nuevo a Florencia, a donde fue llamado para trabajar un enorme e irregular bloque de mármol de Carrara, que ningún artista anterior había sabido aprovechar. Miguel Ángel aprovechó la propia forma del bloque para extraer de ella una imponente estatua de más de 4 metros de altura, el David. Representa al joven David preparado para el combate con la honda sobre el hombro, apareciendo como símbolo del buen gobernante. Sobresale el extraordinario estudio anatómico del cuerpo, inspirado en la estatuaria clásica, la serenidad de la expresión y la armonía de su posición. Para subrayar la expresividad del gesto, Miguel Ángel esculpió la cabeza y la mano derecha a una escala mayor a la del resto del cuerpo. Para entender este recurso hay que tener en cuenta que la gran estatua estaba concebida para ser vista desde su base. El David aúna en su gesto la dulzura y la potencia dramática. De ese modo marca el tránsito entre esta etapa, en que aún predominaba la dulzura, y la siguiente, en que se desarrollará la famosa terribilità de Miguel Ángel.

7.15. Miguel Ángel, Moisés (Roma) (hacia 1515)

La segunda etapa de madurez de Miguel Ángel está marcada por el encargo en 1505 del gran monumento funerario del Papa Julio II. El proyecto era el más ambicioso que nunca se había realizado. Consistía en una estructura piramidal de tres pisos: en el primero Victorias flanqueadas por esclavos; en el segundo relieves biográficos de Julio II rodeados por cuatro grandes imágenes en las esquinas: Moisés, San Pablo, la Vida activa y la Vida contemplativa; en el tercer piso debía aparecer Julio II flanqueado por dos ángeles. Lamentablemente, las constantes disputas con Julio II y sus herederos modificaron el proyecto innumerables veces y el resultado final en 1542 acabó por no gustar a nadie, convirtiéndose en una tremenda fuente de frustración para Miguel Ángel. El monumento fue trasladado finalmente del Vaticano a la modesta iglesia romana de S. Pedro in Vincoli  y de las 47 estatuas proyectadas sólo se realizaron seis esclavos, una Victoria y el Moisés.

El Moisés, realizado hacia 1515, representa uno de los modelos cumbres de Miguel Ángel. En él plasma al jefe del pueblo judío con las tablas de la ley y aureolado con dos rayos. Observa, contrariado, como el pueblo judío ha vuelto a caer en la idolatría. Destaca su potencia expresiva, especialmente observable en la fiereza de su rostro, y su carácter heroico y monumental, plasmado en un cuerpo vigoroso y en torsión. Es la terribilità de Miguel Ángel, que abrirá caminos hacia nuevos desarrollos del arte a partir de autores que copiarían su estilo, su maniera. Se desarrollará así el manierismo de la segunda mitad del siglo XVI, que anuncia la próxima llegada del Barroco.

El Moisés de Miguel Ángel. Vista frontal. Imagen de Jörg Bittner Unna en Wikimedia Commons. Licencia CC.

El Moisés de Miguel Ángel. Detalle del rostro. Imagen de Jörg Bittner Unna en Wikimedia Commons. Licencia CC.

7.23. Alonso Berruguete, El sacrificio de Isaac (1526)

Imagen de Iglesia en Valladolid en Flickr. Licencia CC.

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